Сюрреализм — «Божественное безумие».
Сюрреализм, направление в искусстве, в котором разум чужд, оно берет начало из «до»-разумного, подсознательного начала. Сюрреализм зародился во Франции к началу 1920-ых годов. Суть философии сюрреалистов в том, что бы отказаться от заранее продуманного плана и устранить препятствия для самостоятельного роста произведения, в результате этого может возникнуть нечто чудовищное с точки зрения непосвященного человека, но, преодолев предубеждения, зритель включится в предложенную художником игру фантазии, погрузиться в его сновидческий мир. Зигмунд Фрейд доказывал, что при ослаблении контроля со стороны бодрствующего сознания в цивилизованном человеке просыпается дикарь или ребенок. На этом основании сюрреалисты заявляли, что бодрствующий разум не способен к художественному творчеству. В их представлении разум может лишь добывать научные знания, но искусство возникает только из «до»-разумного, подсознательного начала. Некоторые представители данного искусства, например Де Квинси, принимали опиум, что бы подавить рассудок и дать простор воображению. Сюрреалисты во всяком случае с не меньшим рвением стремились достичь таких психологических состояний, при которых выходит на поверхность то, что обычно скрывается в глубинах нашей души
Существовали эксперименты с воссозданием сновидений в живописи, и это заслуживает внимание. Во сне нередко появляется странное ощущение, что объекты возникают и исчезают, прорастают друг в друга
Собака может оказаться одновременно и нашим начальником, а соседний парк – пустыней. Эти наплывы и взаимопревращения объектов передавал в своей живописи один из ведущих представителей сюрреализма Сальвадор Дали. Проживал он в Соединенных Штатах Америки, но по происхождению он был испанцем. В произведениях Дали обрывки реальности наслаиваются таким образом, что в кажущемся безумии проступает какой-то смысл. Подобные картины могут послужить дополнительным комментарием к вопросу о причинах неудовлетворенности художников задачей «писать, что видит глаз». Они знают, что нельзя «изобразить» реальную вещь, если просто смотреть на нее широко открытыми глазами. Начинать приходится с другого – взять краски и, вооружившись набором известных форм, выстроить требуемый образ. Эта простая истина часто ускользает от нас потому, что в изобразительном искусстве прошлого каждая красочная форма соответствовала только одному элементу натуры: коричневые вертикали – древесные стволы, зеленые точки – листья. Картины Дали, где одна и та же форма служит изображением одновременно нескольких предметов, наглядно демонстрируют исходную многозначность красочных конфигураций на плоскости – точно так же, как удачный каламбур демонстрирует многозначность слова и зависимость его значения от употребления в контексте. И все же, как велики, при всем сходстве методов, его отличия от созданий современного искусства. Можно было бы сказать, что образы Дали возникли из грез, но то были коллективные грезы целого народа, видение судьбоносной силы, властвующей над племенем.
Автопортрет Рембрандта Ван Рейна
commons.wikimedia.org
Рембрандт ван Рейн (1606-1669)
Один из самых разносторонних художников XVII века, Рембрандт экспериментировал с разными жанрами, включая исторические картины, портреты и пейзажи. В свои ранние работы он начал включать свой собственный портрет в качестве зрителя или участника, пробудив пожизненный интерес к автопортрету. Считается, что он создал около 80 автопортретов, включая картины, рисунки и гравюры. В 1630-х годах Рембрандт зарекомендовал себя как известный портретист в Амстердаме. Он добился большого успеха, обзавелся множеством учеников и помощников, основал свою собственную коллекцию произведений искусства и вел изысканную жизнь в великолепном доме, который он купил в 1639 году. Считается, что групповой портрет «Ночной дозор», созданный в 1642 году, ознаменовал конец самых продуктивных лет Рембрандта.
Клод Моне, Джон Сингер Сарджент
National Academy of Design
Джон Сингер Сарджент (1856-1925)
Джон Сингер Сарджент был самым известным художником-портретистом своего времени, которого также называли «ведущим художником-портретистом своего поколения». В 1874 году он отправился в Париж изучать живопись. Десять лет спустя, в 1884 году, в Парижском салоне Сарджент представил, пожалуй, одну из самых известных своих картин — «Мадам Икс», портрет парижской красавицы мадам Готро. Сарджент считал это своей лучшей работой и был неприятно поражен, когда она вызвала ажиотаж, поскольку рецензенты сочли ее эксцентричной и провокационной.
После неудачи в Париже Сарджент навсегда переехал в Лондон. Его искусство не сразу пришлось по вкусу англичанам. Однако все изменилось в 1887 году. В том же году его картина, изображающая двух маленьких девочек, зажигающих японские фонарики, покорила сердца британской публики. Он начал получать необычайное признание в Англии и Соединенных Штатах. Вскоре в его студию в Челси устремилось множество клиентов, где он брал около 5000 долларов за портрет в полный рост.
Интересно, что, несмотря на то, что это принесло ему кучу денег, в 1907 году Сарджент отказался от написания портретов на заказ. В письме своему давнему другу Ральфу Кертису он написал: «Я ненавижу их и отрекаюсь от них и надеюсь, что никогда больше не сделаю этого, особенно в отношении высших классов».
Портреты
В 1960—1970-х он писал полотна, которые стали эмоциональным ответом, выплеском его эмоций от встреч с людьми и местами. Он стал использовать живопись как посредник для исследования мира вокруг себя. Его тщательно поставленные двойные портреты друзей и знакомых сочетают неформальные позы с величием традиционной живописи. Выполненные в натуральную величину, они создают эффект присутствие своих героев.
Один из самых известных двойных портретов художника — мистера и миссис Кларк. Работу над полотном он начал в 1968 году. К тому времени Хокни был уже признанным художником, часто упоминался в прессе и проводил время со знаменитостями. В качестве моделей Хокни выбрал недавно поженившихся дизайнеров Осси Кларк и Селию Бертуэлл.
Портрет мистера и миссис Кларк. (hockney.com)
По словам Хокни, картина потребовала много правок, и на её завершение ушёл год. «Рисовать такие фигуры сложно, и это была настоящая борьба. Они долго позировали, и Осси, и Селия. Осси я рисовал много-много раз. Наверное, одну голову я рисовал 12 раз», — вспоминал Хокни. Селия на долгие годы стала моделью и музой художника, она присутствует во многих его портретных работах.
Ещё один известный портрет в наследии Хокни — «Мои родители». Картина была написана за год до смерти отца Хокни, в 1977-м. Полотно изображает его мать уравновешенной и грациозной натурщицей, в то время как его отец склонился над книгой Аарона Шарфа «Искусство и фотография». В зеркале туалетного столика мы видим репродукцию картины Пьеро делла Франчески «Крещение Христа», а также собственную работу Хокни. Включение этих работ создает образ, подобный триптиху, и намекает на присутствие художника на картине.
«Мои родители». (hockney.com)
Густав Климт
Store Norske Leksikon
Густав Климт (1862-1918)
Австрийский художник-символист Густав Климт специализировался на изображении женской фигуры. Как никакой другой художник, он чтил женскую красоту в своих творениях и всегда ставил женскую привлекательность во главу угла своих художественных начинаний. На ранних этапах карьеры художника было создано всего несколько мужских портретов. Говоря о его ранних портретных работах, отметим, что более ранние портреты Климта, сделанные в 1880-х и 1890-х годах, отличаются высокой степенью реализма. На художественную эстетику Климта оказала влияние портретная фотография. В начале 1890-х стремление молодого художника к более реалистичному изображению возросло, почти приблизившись к фотореалистичной эстетике.
Портреты Климта пользовались большим спросом. Но когда дело доходило до получения комиссионных, он был довольно разборчив. Следовательно, он мог взять на себя гораздо больше заказов, чем на самом деле выполнил. Нет никаких сомнений в том, что Климт ценил скрупулезность и усердие в создании как можно большего количества работ. Из-за огромного труда, который Климт вкладывал в каждую женскую картину, клиенты были готовы потратить в несколько раз больше, чем другие художники могли просить за портреты.
Особого внимания заслуживают изысканные женские картины Климта, выполненные не по заказу. В них художник смог в полной мере реализовать свое идеальное представление о женской красоте, показав, что он явно любит свободу, которая исходит от того, чтобы не быть скованным ожиданиями своих клиентов.
Эндрю Уайет (1917-2009 гг.)
Эндрю Уайет. Автопортрет. 1945 г. Национальная академия дизайна, Нью-Йорк
В отличие от Роквелла, Уайет не был так позитивен. Затворник по характеру, он не стремился ничего приукрашивать. Наоборот, изображал самые обычные пейзажи и ничем не примечательные вещи. Просто пшеничное поле, просто деревянный дом. Но умудрялся даже в них подсмотреть что-то магическое.
Самая известная его работа – «Мир Кристины». Уайет показал судьбу одной женщины, своей соседки. Будучи парализованной с детства, она передвигалась по окрестностям вокруг своей фермы ползком.
Так что ничего романтичного в этой картине нет, как может показаться сначала. Если приглядеться, то у женщины болезненная худоба. А зная, что у героини парализованы ноги, понимаешь с грустью, насколько ей ещё далеко до дома.
Эндрю Уайет. Мир Кристины. 1948 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)
На первый взгляд Уайет писал самое обыденное. Вот старое окно старого дома. Ветхая занавеска, которая уже начала превращаться в клочья. За окном темнеет лес.
Но во всем этом какая-то загадочность. Какой-то некий другой взгляд.
Эндрю Уайет. Ветер с моря. 1947 г. Национальная галерея Вашингтона, США
Так дети умеют смотреть на мир незашоренным взглядом. Так смотрит и Уайет. И мы вместе с ним.
Всеми делами Уайета занималась его супруга. Она была хорошим организатором. Именно она контактировала с музеями и коллекционерами.
Романтики в их отношениях было мало. Муза обязана была появиться. И ей стала простая, но с неординарной внешностью Хельга. Именно её мы встречаем на многочисленных работах.
Эндрю Уайет. Косы (из серии «Хельга»). 1979 г. Частная коллекция
Казалось бы, мы видим всего лишь фотографичное изображение женщины. Но почему-то от неё сложно оторваться. Слишком сложный у неё взгляд, напряженные плечи. Мы как бы вместе с ней внутренне напрягаемся. Силясь найти объяснение этого напряжению.
Изображая действительность во всех деталях, Уайет волшебным образом наделял ее эмоциями, которые не могут оставить равнодушными.
Художника долго не признавали. Со своим реализмом, пусть и магическим, он никак не вписывался в модернистские тренды 20 века.
Когда музейщики покупали его работы, то старались делать это тихо, не привлекая внимания. Выставки его организовывали редко. Но на зависть модернистам они всегда имели оглушительный успех. Люди приходили толпами. И до сих пор приходят.
8/8 The Search Asks Questions Why People Create
Поиск— это приключенческая игра типа «укажи и щелкни», в которой главный герой исследует сюрреалистический ландшафт и решает простые головоломки. Чтобы продвигаться по игровой среде, холсты должны быть натянуты на закрытые дверные проемы и окрашены, чтобы создать изображение расчищенного пути.
В путешествии по окружающей среде разбросаны записки загадочного незнакомца, затрагивающие идеи таких мыслителей, как Джозеф Кэмпбелл и Карл Юнг, о причинах, по которым мы создаем. Они призывают прислушиваться к своему внутреннему голосу, который призывает их что-то сделать. Боб Росс всегда поощрял своих зрителей рисовать, стремясь выявить художника в каждом.
Боб так же известен, как Энди Уорхол (на сайте findagrave.com).
На Найти могилу, вы найдете информацию о рождении и смерти Боба, краткое описание того, кем он был, его фотографии и фотографию его могилы в Мемориальном парке Вудлоу в Готе, Флорида. По состоянию на 9 октября 2015 года на сайт было представлено тысяча четыреста тридцать два «цветка» и «заметки». Анимированные и не анимированные значки, такие как хлопки в ладоши, воздушные шары, цветочные композиции и праздничные поздравления, часто сопровождают цветы
Некоторые также включают дань уважения Россу и его важности для жизни участника. На странице Боба он оценивается в четыре целых пять звезд из пяти по «известной» шкале (подано триста семьдесят два голоса)
Для сравнения, Энди Уорхол получил одинаковое количество голосов: двести семьдесят два голоса. Он получил восемьсот двадцать два цветка и записки по состоянию на 9 октября 2015 года.
Эта статья была написана Кристин Дж. Конгдон, Дугом Блэнди и Дэнни Коимманом на основе их книги Счастливые Облака, Счастливые Деревья: Феномен Боба Росса опубликовано издательством University Press of Mississippi в 2014 году.
Ванэйковские «мадонны»
Отдельного внимания заслуживают знаменитые ванэйковские Мадонны: «Мадонна в церкви», «Мадонна каноника ван дер Пале» и «Мадонна канцлера Ролена». Эти работы изобилуют множеством невиданных на то время новшеств:
- скрупулезной проработкой архитектуры, интерьера, одежды, украшений и предметов быта;
- грамотной передачей светотени;
- яркостью красок и многообразием оттенков;
- продуманной сюжетной линией, в основе которой заложен религиозный символизм.
Мадонна в церкви
Мадонна каноника ван дер Пале
Мадонна канцлера Ролена
Портрет четы Арнольфини
Ещё одна изобилующая символами картина Яна ван Эйка – «Портрет четы Арнольфини» – раскрывает человеческую индивидуальность в обыденной обстановке.
Портрет четы Арнольфини
Герои как будто дают клятву верности друг другу, на что указывают их лица и жесты, а также пёс на переднем плане, олицетворяющий дружбу и преданность. Символично также изображение горящей свечи только над головой молодого человека. Не исключено, что на момент написания картины его возлюбленная умерла, так как свеча над её головой не горит… Апельсины на столе символизируют на неземное блаженство, а яблоко – грехопадение. Щётка символически показывает чистоту отношений между мужем и женой. Чётки – знак благочестия.
Масляная техника Яна ван Эйка
Эмалевидная поверхность картин Ван Эйка — результат использования техники масляного письма, которая позволяет достичь глубины и богатства цвета. Нанося один поверх другого полупрозрачные слои, живописец достигает слитности мазков и получает смягчённые контуры, что делает композицию в высшей степени реалистичной.
Ещё больше реализма и плавности переходов можно достичь методом сфумато, работая по технологии оптических просветов. Мягкие светотеневые взаимоотношения создаются методом «от пятна» ещё на стадии работы наждачной бумагой. На этапах проработки композиции оптическими смесями и ввода цвета изображение «оживает», а после финишной лессировки маслом и усиления колорита масляными красками приобретает сочность и глубину пространства. Подробнее о стадиях работы по технологии оптических просветов, материалах и инструментах, применяемых для создания реалистичной живописи, можно прочитать в этой книге. |
Несмотря на то, что произведения Ван Эйка – ещё не верх совершенства в плане геометрии и пропорций, его усовершенствованная масляная техника была признана в Европе. Она повсеместно укоренилась в Нидерландах, в 15 веке пришла в Германию и во Францию, а чуть позже завоевала сердца итальянских художников.Нередко встречается информация будто бы Ян ван Эйк изобрел масляную живопись. Это утверждение неверно, ведь маслом работали и до него. Однако достижения фламандца на этом поприще и вправду сродни изобретению. Он усовершенствовал состав масляных красок, сделав их намного более прочными и яркими.
За свою жизнь Ян ван Эйк написал более 100 произведений, большинство из которых, к сожалению, не сохранилось. Но даже по уцелевшим работам можно сделать вывод о том, насколько огромен вклад этого художника в мировую живопись.
Детство и юность
Роберт Норман Росс родился 25 октября 1942 года в американском городе Дейтона-Бич, штат Флорида. Его отец Джек Росс, потомственный индеец племени Чероки, по профессии был плотником. Мать Олли Росс работала официанткой в кафе. Боб провел детство, ухаживая за ранеными животными, обитавшими вокруг. Среди его подопечных были броненосец, змея, аллигатор и 2 белки, которые впоследствии участвовали телепередаче художника.
Боб Росс
Росс бросил школу, доучившись до 9-го класса, и начал осваивать плотницкое делом вместе с отцом. В мастерской мальчик потерял часть левого указательного пальца, к счастью, травма не повлияла на то, как он держал палитру в процессе рисования. В 1961 году 18-летний юноша поступил в ВВС США на должность специалиста по медицинской документации. Карьеру военного он окончил в звании старшего сержанта на авиабазе Эйлсон на Аляске, где впервые увидел снег и горы, которые позже стали темами многих его работ.
В годы службы Боб увлекся живописью. Первые картины он создавал для продажи, и рисовать их приходилось в короткие перерывы между поручениями вышестоящего начальства. Таким образом, начинающий художник сделал первый шаг к созданию техники быстрой живописи, сделавшей его известным на весь мир.
Боб Росс в молодости
Боб записался в класс рисования в «Anchorage U. S. O. Club», где часто полемизировал с преподавателями, предпочитавшими абстрактное искусство реализму. Затем Росс увидел телешоу «Магия масляной живописи», организованное немецким художником Биллом Александром.
Передача рекламировала стиль «алла прима», («первая попытка» в переводе с итальянского языка), который позволял создать законченное произведение за 30 минут. Боб изучил этот метод «мокрой техники», начал рисовать северные пейзажи Аляски, которые хорошо продавались. Когда доход от картин превысил зарплату военного, Росс оставил службу и решил целиком посвятить себя искусству.
Винсент ван Гог
«Что такое рисование? Это умение пробиться сквозь железную стену, которая стоит между тем, что ты чувствуешь, и тем, что ты умеешь» – Винсент ван Гог.
Нидерландский художник-постимпрессионист. Главным в живописи для него был цвет – он смешивал основные цвета с дополнительными, что позволяло ему получать поразительный эффект. Ранние работы насыщены яркими и позитивными цветами, а более поздние – трагическими цветовыми диссонансам, с помощью которых он выражал весь тот негатив, который охватил его разум и сердце.
Самые известные картины: «Звездная ночь», «Автопортрет», «Едоки картофеля», «Звездная ночь над Роной», «Ирисы», «Автопортрет с перевязанным ухом», «На пороге вечности», «Подсолнухи», «Ветки цветущего миндаля».
Безответная любовь и смерть близких ввели художника в состояние глубокой депрессии, из которого его могло вывести только искусство. Он имел средства на холсты, краски и натурщиц благодаря помощи своего брата, а во всем остальном он себя сильно ограничивал ради возможности творить. Яркое и радостное изначально искусство художника со временем превратилось в нечто темное, угнетающее и поистине трагическое.
Душевное состояние художника ухудшалось с каждым годом, однако он писал картины даже между обострениями своей болезни в лечебнице для душевнобольных, где создал несколько своих главных шедевров. Конец своей жизни ван Гог провел в небольшой деревне под Парижем, вид которой стал для него настоящим источником вдохновения: он работал с утра до ночи, исполнив за последние два месяца жизни 70 картин и 32 рисунка. Однако, несмотря на такой творческий подъем, вскоре он, окончательно отчаявшись, убил себя выстрелом из пистолета.
Где почитать о художнике: И. Стоун «Жажда жизни», Р. Уоллэйс «Мир ван Гога», А. Перрюшо «Жизнь ван Гога», В. ван Гог «Письма к брату Тео».
Автопортрет Винсента Ван Гога
The Art Institute of Chicago
Винсент Ван Гог (1853-1890)
Многие люди думают о Винсенте Ван Гоге как о «сумасшедшем» художнике, человеке, который рисовал в приступах безумия. Те, кто считает его картины лишь физическим отражением его измученного ума, часто упускают из виду его художественный талант. Хотя отчасти это может быть правдой, его изобретательный и самобытный художественный стиль имел большое значение для многих художников, пришедших после него. Даже находясь под явным влиянием своих предшественников или сверстников, его живопись оставалась отчетливо его собственной, создавая уникальный стиль, непопулярный среди населения того времени.
Хотя карьера Винсента Ван Гога как художника была недолгой, его работы полностью изменили художественную технику и стиль. Винсент Ван Гог также известен своими многочисленными автопортретами. За свою короткую карьеру художника Винсент Ван Гог написал от 35 до 40 автопортретов. Он завершил их все между 1885 и 1889 годами. Рембрандт, создавший более 100 автопортретов за свою примерно 50-летнюю карьеру, был единственным художником, написавшим их больше, чем Винсент Ван Гог.
Почему Ван Гог создал так много автопортретов, было предметом споров среди многих искусствоведов. Они считают, что художник не мог позволить себе нанять настоящих моделей из-за своего финансового положения. Однако Ван Гог, у которого не хватало денег, но который был полон решимости отточить свои способности портретиста, стал для себя лучшей моделью.